Что можно приготовить из кальмаров: быстро и вкусно

Новое творение режиссера Владимира Хотиненко не обсуждает сегодня только ленивый. Более всего, конечно, негодуют историки, ведь сериал «Демон революции» посвящен столетию Октябрьской революции и дает довольно вольную трактовку судьбоносных для страны событий. При всей спорности сюжета, одного у этого фильма не отнять – он помогает составить четкое представление о моде того времени. Принято считать, что революционерки – это женщины в кожанках и красных косынках, а ведь барышни, помогающие творить революцию в 1915-1917 годах, выглядели совершенно не так.

Начнем с того, что образ, который отложился у нас в голове как канонический, – это шаблон, отсылающий скорее к более позднему времени – 20−30-м годам в СССР. На заре революции в России эмансипация хоть и начала завладевать обществом, но еще не достигла в своем развитии этапа, на котором женщины без стеснения облачились бы в мужские галифе и надели кожаные куртки. Да и в 20-е, чего уж скрывать, процент таких «товарищей» был не стиль велик. А уж в 1915 году, когда шла подготовка к перевороту, дамы о таких гардеробных метаморфозах еще и не мыслили.

Платья ранней Эдвардианской эпохи имели не такие объемные юбки и чуть нависающий верх

Фото Getty Images

В фильме Владимира Хотиненко показан период с 1915 по 1917 год. В истории моды это время часто называют поздней Эдвардианской эпохой. Вообще датируется период 1901-1910 годами, когда Великобританией правил король Эдуард VII. Однако чаще всего историки продлевают его и на несколько лет после гибели монарха – до окончания Первой мировой войны и подписания Версальского договора в 1919 году. Все это время, как и в предшествующий Викторианский период, Англия сохраняла статус модной столицы, на которую равнялась Европа и, конечно же, Российская империя.

Женщины начали носить составные комплекты из блузы и жакета с юбкой

Фото Getty Images

Эдвардианская женская мода – это закат кринолинов и переход к более привычным нам силуэтам платья и верхней одежды. На раннем ее этапе женщины продолжали носить корсеты, однако велась активная пропаганда отказа от них. Если поздняя Викторианская эпоха известна роскошными платьями с турнюрами – приспособлениями, которые создавали мнимый объем сзади, то Эдвардианская пошла по пути отказа от всех этих «спецэффектов». К 1917 году юбки платьев стали прямыми, и их даже начали заужать. Как всегда это происходит с модой, старясь привнести в гардероб комфорт, женщины получили новый виток неудобств – платья стали настолько узки в бедрах, что в них был невозможно сделать широкой шаг. Известно, что императрица Александра Федоровна, которая слыла большой модницей, попросту отказывалась носить новый фасон из-за его непрактичности.

Главная модница сериала – Софья Руднева (Паулина Андреева)

Гардероб Рудневой куда более изыскан, нежели у Инессы

Фото кадр из сериала «Демон революции»

Надежда Крупская (Дарья Екамасова) одета в старомодный наряд, а Инесса (Виктория Исхакова) выглядит скромно, нов духе времени

Фото кадр из сериала «Демон революции»

Инесса Арманд (Виктория Исхакова), ближайшая сподвижница Владимира Ленина (и, если верить Хотиненко, его любовница), в фильме носит белую блузу с воротником стойкой и оборочками, заправляя ее в юбку А-образного силуэта. При этом блузка заправляется как бы с напуском. Это отличительная черта одного из промежуточных этапов Эдвардианской моды. Несколько лет платья шили таким образом, чтобы верх как бы нависал, образовывая «зоб». Постепенно выраженная гипертрофия верха ушла, но манера заправлять блузы «с напуском» прижилась надолго. Платья того времени шились практически по фигуре. Увидеть пример моделей можно в гардеробе другой героини фильма – Софьи Рудневой (Паулина Андреева). Молодая красивая барышня, являющаяся любовницей того самого «демона революции» Парвуса, – главная модница сериала. Создателям картины было важно визуализировать Софью как трофей Парвуса, поэтому упаковали ее исключительно по последней моде.

Софья Руднева (Паулина Андреева), как более продвинутая модница, носит лаконичную шляпку

Фото кадр из сериала «Демон революции»

Сходство гардеробов двух женщин наблюдается в области аксессуаров. И Инесса, и Софья носят совершенно невероятные по декору и размерам шляпы. Художники по костюмам и тут попали в точку. Фантазийные шляпы – главная отличительная черта Эдвардианской моды. Видимо, утратив возможность изощряться в области платья, дизайнеры того времени решили направить весь свой энтузиазм на производство головных уборов. Шляпы были преимущественно широкополыми, украшались лентами и цветами. Эти головные уборы весили очень много, но женщины все равно долгое время от них не отказывались. Эволюция пошла по пути уменьшения размеров шляп и сведения к минимуму декора. Можно заметить, что более «продвинутая» в модном плане Руднева носит весьма аскетичную шляпку, а вот шляпы Арманд весьма помпезны, что намекает нам и на возраст барышни и на то, что за модой она следит не слишком пристально. В качестве самой «непродвинутой» в модном плане показана супруга Ленина. Надежда Крупская носит платья образца примерно 1910-х годов – с рукавами-буфами. Также стоит обратить внимание на цветовую гамму. Крупская всегда в черном, что символизирует не только ее революционный аскетизм, но и личную драму – Надежда Константиновна близко к сердцу принимает связь мужа с Инессой Арманд.

Новый быт

Советская мода формировалась и шагала вперед своим собственным особым маршрутом. Её создавали талантливые профессионалы, уцелевшие в годы разрухи и кровавого террора, а корректировали и направляли партийные чины и сотрудники органов госбезопасности. складывалась из мастерства портных минувшего века и новаторских идей художников молодой страны советов, из моделей одежды, создаваемых специалистами, выращенными советскими вузами, из массовой одежды, выпускаемой многочисленными швейными фабриками, из советских журналов мод , из легально поступающих в страну модных журналов братских социалистических республик и буржуазных западных изданий, попадающих в СССР из-за «железного занавеса», из рассказов людей, побывавших за рубежом, из копирования отечественными мастерицами той одежды, которую привезли «оттуда», из подражания образам советского и иностранного кинематографа.

Октябрьская социалистическая революция, отменившая классы дворянства и буржуазии и утвердившая новый социальный состав общества, неизбежно повлияла и на формирование моды советской страны, в которой больше не было места для роскошных туалетов. Трудовой народ молодой страны советов должен был выглядеть, так как подобает строителю нового общества, хотя как именно, точно никто не знал, и все, кому суждено было пережить октябрьский переворот, просто должны были приспособиться к суровым особенностям военного и гражданского труда и быта первых послереволюционных лет.

На городских улицах появились мужчины и женщины в кожаных комиссарских куртках, кожаных фуражках и солдатских гимнастерках, перепоясанных кожаными ремнями. Популярнейшей мужской одеждой стали сатиновые косоворотки, надетые с городскими пиджаками. Женщины облачались в платья, сшитые из холста, прямые юбки их солдатского сукна, ситцевые блузы и матерчатые куртки. Мужские гимнастерки, перекочевавшие в женский гардероб, подчеркивали равноправие между советской женщиной и советским мужчиной.

Приметой нового послереволюционного времени стала красная косынка – символ освобождения женщины, теперь её надвигали на лоб и завязывали на затылке, а не под подбородком, как это было традиционно принято раньше. Обувь, мужскую и женскую, составляли сапоги, ботинки, парусиновые тапочки, резиновые боты.

Комсомольцы надевали на себя «юнгштурмовки» - военизированную одежду, заимствованную у немецкой молодежной коммунистической организации «Красный юнгштурм», представлявшую собой гимнастерку или куртку различных оттенков зеленого цвета, с отложным воротником и накладными карманами, носившуюся с ремнем и портупеей, и фуражкой на голове. Девушки надевали юнгштурмовки с прямой юбкой тёмного цвета. На основе юнгштурмовки была разработана единая форма для комсомольцев. Как писала газета «Красная звезда»: «ЦК ВЛКСМ рекомендует местным организациям ввести путем добровольности единую форму комсомола. За образец следует принять форму московского комсомола – цвет хаки (темно-зеленый). ЦК считает желательным введение этой формы во всех городских организациях к 14 Международному юношескому дню».

Вещи шили из холста, грубого полотна, бязи, солдатского сукна, байки, бумазеи, грубой шерсти. Начиная с 1921 - 1922 годов, когда в стране был объявлен переход к новой экономической политике (НЭП) и начался процесс восстановления текстильных и швейных предприятий, появились первые ткани с печатным рисунком, в основном хлопчатобумажные - ситец, сатин, фланель.

Одним из первых массовых костюмов стала красноармейская форма. В 1918 году была создана специальная комиссия по выработке формы РККА, и объявлен конкурс на лучшие образцы военной одежды, в котором приняли участие такие художники как Виктор Васнецов и Борис Кустодиев. За основу для красноармейской формы был взят русский исторический костюм. Через год в качестве новой формы были утверждены - шлем, шинель, рубаха, кожаные лапти. Отделка петлицами, характерная для старинных образцов военной формы, соседствовала красными обшлагами, воротниками и звездой на шлеме, который повторял древнерусскую форму шолома с бармицей, тем самым подчеркивая героизм и романтику образа. Новый красноармейский шлем, который вскоре окрестили буденовкой, просуществовал до начала Великой Отечественной войны.

Страшное, кровавое крушение старого мира и мучительное строительство нового, казалось бы, должны были обречь на небытие такое явление как мода . Зачем и кому она нужна в советской стране? Но вопреки всему 20-е годы 20-го века стали одним из самых интересных периодов в истории отечественной моды.

В царской России конца 19 века на первом месте по производству готового платья стояли Москва, Петербург, Киев, Нижний Новгород, Казань. Одежду производили преимущественно работники-кустари из мелких мастерских. Крупных швейных предприятий было немного. В основном они выполняли казённые заказы, производя обмундирование, снаряжение и бельё для воинских и инженерных частей. Но, кроме того, многие производители казенной швейной продукции были владельцами известных магазинов готового платья, обуви и галантереи.
Крупнейшими швейными производствами в России были: товарищество «Мандль и Райц» , имевшее кроме фабрики торговый дом готового платья на Тверской (после национализации предприятия - фабрика № 31 треста «Мосшвей», затем Опытно-техническая фабрика имени К. Цеткин, а в 1930 году «ЦНИИШП» - Центральный научно-исследовательский институт швейной промышленности, существующий по сей день); «Торговый дом К. Тиль и Ко» , объединивший кожевенный и лакировочный завод, военно-шорную, амуничную и обмундировочную, войлочную, перчаточную, чулочную, фабрики, перешедший после банкротства в 1912 году к Московскому акционерному обществу «Поставщик» (национализировано в 1918 году и переименовано в «Красный поставщик», затем ставший Московской фабрикой технического войлока и Московским валяльно-войлочным объединением (ныне ЗАО «Горизонт»); «Товарищество мануфактур Тимофея Кацепова и сыновей» - промышленное предприятие с солидным денежным оборотом, с 1930 год перепрофилировано в Воскресенскую фетровую фабрику имени 9 января (современное ОАО «Фетр»).
Крупными фирмами готового платья и белья являлись : торговый дом «М. и И. Мандль» , торговый дом «Братья Н. и Ф. Петуховы» на Ильинке ; легендарное торгово-промышленное товарищество «Мюр и Мерилиз» , владело одним из знаменитейших универсальных магазинов в Москве на Петровке, торговавшим одеждой, обувью, ювелирными изделиями, парфюмерией, предметами домашнего обихода (национализирован в 1918 году, с 1922 Центральный универсальный магазин ЦУМ); Петровский Пассаж, расположившийся между Петровкой и Неглинной улицами, принадлежал Вере Ивановне Фирсановой, продолжательнице знаменитой московской купеческой династии Фирсановых. Пассаж собрал под своими сводами более пятидесяти различных торговых павильонов, включая магазины известных торговых домов: «Маркушевич и Григорьев. Шелковые и шерстяные ткани», «Викула Морозов, Коншин и сыновья» , «Весельков и Ташин - модные материалы для дамских платьев» , «Луи Крейцеръ» - белье и галстуки» , «Матильда Бариш - корсеты и зонты» и пр. Крупными центрами торговли были пассаж Попова на Кузнецком мосту, пассаж Постникова на Тверской улице, Лубянский пассаж на Лубянке, магазин шелковых товаров братьев Сапожниковых на Ильинке, торговые дома Людвига Кнопа, К. Малютина с сыновьями и многие другие. Одной из самых успешных фирм по производству белья была фирма «Братья Альшванг» , и торговый дом на Никольской улице «Кандырин и Ко» , владевший фабрикой белья. Знаменитые магазины мужского платья в дореволюционной Москве - «Айе» на Тверской, «Братья Алексеевы» на Рождественке, «Братья Чистяковы» на Лубянской площади, «Деллос» на Сретенке, «Жорж» на Тверской, «Дюшар», «Смите и сыновья» на Кузнецком мосту. Модную женскую одежду производили и продавали «Город Лион» на Лубянке, «Луи Крейцер» и «Мадам Жозефин» на Петровке, и др.
Многие Российские производители тканей славились не только в своей стране, но завоевывали и мировую популярность. Особенно успешными производствами были Трехгорная мануфактура, основанная купцом Василием Прохоровым, отсюда другое её название – Прохоровская (после революции национализирована, в 1936 году ей присвоено имя Ф. Э. Дзержинского); Иваново-Вознесенские мануфактуры Грачевых, Гарелиных, Ивана Ямановского, Диодора Бурылина и др. Знаменитая ситценабивная мануфактура «Эмиль Циндель в Москве» работала до 1915 года. В советское время это предприятие стало называться «Первой ситценабивной фабрикой». Крупнейшими текстильными предприятиями были Морозовские мануфактуры. Самое большое морозовское предприятие – Никольская мануфактура в Орехово-Зуеве. Известные мануфактуры того времени - фабрики Альберта Гюбнера, Михаила Титова, фабрика Торнтона в Петербурге, «Круше и Эндеръ», «Михайлов и сын», «П.Малютин и сыновья» и пр. Неоценимую роль в оснащении многих текстильных предприятий Москвы сыграла в то время контора барона Людвига И.Кнопа. Основной его деятельностью в качестве представителя английской фирмы Де Джерси была поставка в Россию современного текстильного оборудования из Германии, Франции и Англии. Продукция российских мануфактур шла на экспорт и ценилась во всем мире. В дореволюционной России носить готовое платье считалось уделом людей ограниченных в средствах, богатые предпочитали заказывать одежду. Шитье на дому было давней и почтенной традицией в российской империи и считалось важным элементом женского образования.
Выпускники школ кройки и шитья и рукодельных классов получали аттестаты, которые давали право работать закройщиками, открывать частные школы и курсы швейного мастерства. В одну из таких швейных мастерских популярной тогда московской модистки мадам Войткевич, закончив школу кройки и шитья О. Сабуровой, пришла работать молоденькая закройщица Надя Ламанова, ставшая впоследствии самой знаменитой портнихой в царской России. Выдающиеся заслуги в области моделирования одежды сделали Ламанову фигурой номер один в истории отечественного дизайна одежды. Надежда Ламанова заложила основы советского моделирования. Девизом творчества художников-модельеров и в наши дни является знаменитая формула Ламановой - назначение, образ, ткань.
В 1885 году Ламанова открыла свою мастерскую в доме Адельгейма на Б. Дмитровке. Легендарная Надежда Ламанова , поставщица Императорского двора до революции «одевала» царскую семью, аристократический и артистический бомонд. После революции она не только конструировала модели для жен высокопоставленных чиновников, но и создавала массовую моду . Она делала костюмы для фильмов Эйзенштейна и Александрова, для многих советских театральных спектаклей. Ее клиентками были Вера Холодная, Мария Ермолова, Ольга Книппер-Чехова. В ее доме устраивал свои дефиле, великий французский кутюрье Поль Пуаре. После революции модели Ламановой, продолжившей работу в качестве советского модельера, завоевывали призы на международных выставках, одежду от Ламановой демонстрировали - муза Владимира Маяковского Лиля Брик, её младшая сестра, французская писательница Эльза Триоле, актриса Александра Хохлова. Дореволюционная Россия могла похвастаться обилием модных домов, ателье и мастерских . Только в Петербурге в 1900-е годы их насчитывалось более 120-ти. Знаменитым модным домом в Петербурге был Дом Бризак , являвшийся Поставщиком Двора и работавший только для императорской семьи, обслуживая великих княгинь и придворных фрейлин. По высочайшему повелению императрицы Дом Бризак мог обслуживать двух клиенток, не принадлежащих ко двору - балерин Анну Павлову и певицу Анастасию Вяльцеву.
Еще одним большим петербургским модным домом 1900-х голов был Дом Гиндус . Анна Григорьевна Гиндус обучалась в Париже в фирме известного французского модельера госпожи Пакен, с которой и впоследствии поддерживала контакт.

Третьим крупным домом моды был Дом Ольги Бульденковой , которая также была поставщицей Императорского Двора. Её сферой деятельности являлись особые форменные платья, регламентированные Уставом Двора, утвержденным специальным императорским указом еще в 1830-е годы.

Кроме крупных домов моды работало более сотни мелких модных домов и ателье, которые как выполняли индивидуальные заказы, так и выпускали серийные коллекции. А вот показов мод ни один из русских домов не проводил. В 1911 году в Петербург привозил свою коллекцию Поль Пуаре. А первый модный показ состоялся в Петербурге в 1916 году.

Наступившая новая эпоха во многом изменила и сам костюм, и отношение к моде. Во втором десятилетие двадцатого века, после Первой мировой войны, во всем мире наблюдалось упрощение костюма и переход к массовому промышленному производству одежды, начало которого во многом было связано с отлично налаженным выпуском военной формы. Однако в советской России на эту мировую тенденцию наслаивалась роль социалистической идеологии.

В 1923 году, создается «Центр по становлению нового советского костюма», переименованный затем в «Ателье мод», официальным директором которого стала Ольга Сеничева-Кащенко. В одном интервью Ольга Сеничева рассказывала, как в «Москвошвее» ей, шестнадцатилетней девчонке передали документы на предоставление кредита, а она дала обязательство в течение полутора лет оплатить расходы по «Ателье мод» - ремонту помещения (на Петровке,12, сейчас Художественный салон) и тканям, полученным для работы. Новому центру моды отдали конфискованные материалы со складов, владельцы которых бежали за границу во время революции. В распоряжение ателье попали парча, бархат и шёлк. Прекрасные ткани, хранившиеся в сырых складских помещениях, были сильно подпорчены, поэтому часть их решили пустить на занавески и обивку мебели в зале, где планировалось проводить демонстрацию моделей одежды. Сначала, чтобы вернуть государству все деньги данные в кредит, в первом советском «Ателье мод» начали создать модели не из ситца и полотна, а из парчи и бархата для нэпманов, чтобы потом иметь возможность разрабатывать массовую моду и создавать модели одежды для трудящихся. На первые показы мод приглашались партийная элита, знаменитости и передовики легкой промышленности.

• В экспериментальном «Ателье мод» вместе с Надеждой Ламановой, возглавлявшей творческую работу, трудились такие выдающиеся художники, как Вера Мухина, Александра Экстер, Надежда Макарова (племянница Ламановой), специалист прикладного искусства Евгения Прибыльская, Тогда же был издан один номер журнала «Ателье», в работе над которым приняли участие многие известные художники.

• В 1923 году на I Всероссийской художественно-промышленной выставке образцы моделей, разработанные в Ателье мод Н. Ламановой, Е. Прибыльской, А.Экстер, В.Мухиной, были удостоены премий.

• Модели Надежды Ламановой и Веры Мухиной, экспонированные на Всемирной выставке в Париже в 1925 году, получили Гран при за национальную самобытность в сочетании с современным модным направлением. Каждая модель платья обязательно была дополнена головным убором, сумкой, украшениями, выполненными из бечевки, шнура, соломы, вышитого холста, бусами из раковин и камешков.

Осуществить свою главную миссию по создание образцов одежды для массового производства, а также выполнению индивидуальных заказов для народа в полной мере экспериментальному ателье не удалось, так как просуществовало оно всего несколько лет. Одним из самых крупных государственных заказов в 1923 году стала разработка парадной формы для Красной Армии. Для того, чтобы зарабатывать деньги ателье работало как дорогая мастерская индивидуального пошива, ориентированная на актрис, для которых предусматривались специальные скидки, и состоятельных людей. Над созданием моделей работали десять конструкторов и десять художников. Отшивали модели сто пятьдесят рабочих 26-й фабрики треста «Москвошвей». В среднем одно платье шилось двадцать дней, и только работа мастеров обходилась в сто рублей за каждую модель. Это было так дорого, что даже спустя два года после открытия многие платья так и не были распроданы.

В 1923 году появился первый советский отечественный журнал мод «Ателье», созданный при новаторском «Ателье Мод». В редакционной статье были изложены главные цель и задачи: «Деятельное и неутомимое стремление к выявлению всего, что творчески прекрасно, что заслуживает наибольшего внимания в области материальной культуры». Грандиозность замысла определялась одним только перечнем звездных имен, давших свое согласие на сотрудничество в журнале. Среди знаменитостей - художники Юрий Анненков, Борис Кустодиев, Кузьма Петров-Водкин, Александр Головин, Константин Сомов, Игорь Грабарь, скульптор Вера Мухина, поэт Анна Ахматова, историк искусств Николай Пунин и многие другие. Журнал иллюстрировался вклейками цветных рисунков.

Имена художников начали появляться и на страницах журналов мод еще в 1900-1910-е годы, когда искусство модной иллюстрации переживало свой расцвет. В 1908 году в Москве начал выходить художественный журнал мод , рукоделий, хозяйства «Парижанка» с фронтисписом художника Мстислава Добужинского. Обложка нового издания была специально заказана Константину Сомову, однако по техническим причинам в новой обложке журнал стал выходить только с 1909 года. Обложку для журнала мужских мод «Денди» выполнил Виктор Замирайло, а рисунки моделей, помещенных в нем, создавали известные петербургские графики Александр Депальдо и Александр Арнштам. Заняться изданием «Дамского журнала» предполагала и художница Анна Остроумова-Лебедева. В 1915 году пыталась реализовать подобные планы знаменитая петербургская портниха Анна Гиндус. Тогда же выпустить журнал красивой жизни, под названием «Зеркало» затевал и архитектор Иван Фомин. Этим планам, да и то лишь отчасти, суждено было реализоваться только в 1920-е годы.

Первый советский журнал мод должен был уделить самое пристальное внимание «детальной разработке вопросов о новом женском костюме», а также отразить «всю разнообразную творческую работу Ателье Мод», а, кроме того, знакомить читателей с новостями в области искусства, театра и спорта.

В журнале была опубликована статья художницы Александры Экстер «О конструктивной одежде», отражающая основное направление развития моделирования того времени – простоту и функциональность. «При выборе формы одежды, – писала автор, – следует считаться с естественными пропорциями фигуры; с помощью правильного конструирования одежды можно добиться ее соответствия формам и размерам тела. Рабочая одежда должна обеспечить свободу движений, поэтому она не может быть зауженной. Одно из главных требований к такому костюму – удобство в работе». Особое внимание Экстер уделяла подбору тканей, предлагая при конструировании той или иной формы костюма исходить из пластических свойств материала. Так, по ее мнению, при создании моделей из шерсти грубой обработки нецелесообразны вертикальные складки, а мягкая шерсть большой ширины, напротив, позволит создать сложный объемный силуэт. Экстер сконструировала сложный многофункциональный комплект, напоминающий японское кимоно из различных материалов контрастных цветов. Другой комплект для дома и улицы состоял из верхнего и нижнего платья рубашечного покроя с боковыми разрезами, отделанного аппликацией. Обложку журнала «Ателье» украшал эскиз, созданный Александрой Экстер, удлиненный силуэт модели в накидке для улицы из светло-синего шелка-тафты, без швов, с увеличенным воротником. На голову надета маленькая обтягивающая шапочка с помпоном.

В первом номере «Ателье» был помещен и знаменитый эскиз платья-бутона Веры Мухиной. Известный скульптор была представлена здесь как художник-модельер. Предложенное ею платье классифицировалось как «эстрадное». Пышные драпировки юбки из белой ткани напоминали лепестки цветка. Изящный женский силуэт в широкополой красной шляпе, с тростью в руке являлся воспоминанием о рококо, соединенным с супрематическими мотивами.

На страницах первого номера «Ателье» было помещено большое количество фотографий московских актрис и моделей в роскошных туалетах, не уступающих французским нарядам. По фотографиям в журнале видно, что коллекция 1922–1923 годов, несмотря на трудности экономического порядка, была выполнена из дорогих тканей. Литературно-публицистическим размышлениям о современной моде предавались на страницах журнала режиссер и драматург Николай Евреинов («Облик парижанки 1923»), русский меценат, Владимир фон Мекк, работающий после революции над созданием эскизов декораций и костюмов в Малом театре, («Костюм и революция»), М. Юрьевская («О влиянии танца на моду»).

Как дополнение к статье Юрьевской, художниками «Ателье» предлагалась модель «эстрадного платья для эксцентричных танцев», выполненного из черного бархата и тафты с длинным треном («хвостом»). Талия перехвачена широким поясом из оранжевого меха, на плече оранжевая лента-перехват в тон меха, головной убор из черного шелка со стоячими павлиньими перьями.

Журнал «Ателье» вышел тиражом 2000 экземпляров и имел большой успех. Как писала ответственный редактор Ольга Сеничева: «Читатели соскучились по художественным, красиво оформленным изданиям. Мелованная бумага, хорошая печать, цветные иллюстрации и, пожалуй, самое главное: необычная для того времени тема – мода – привлекали многих, и тираж быстро разошелся». Огромный интерес вызвало то, что в конце номера давался «Обзор модных течений из иностранных журналов». Однако первый номер журнала мод оказался и последним. В журнале «Швейник» появилась заметка «Как не стоит художничать», в которой вся деятельность «Ателье» подверглась самой суровой критике. В 1925 году к идеологическим обвинениям добавились и экономические трудности, и первый советский модный дом претерпел сильные изменения. Был назначен новый директор, сокращен штат, и знаменитое московское «Ателье мод» превратилось в обычную номенклатурную модную мастерскую, обшивавшую партийных жен и знаменитостей.

Идея модного журнала с участием художников и литераторов, и привлечение живописцев и графиков к разработке моделей одежды, еще некоторое время воплощалась в жизнь. Модные издания, появлявшиеся в эпоху НЭПа, призывали мастеров кисти и пера высказываться по вопросам формирования современной моды .

• В 1929 году вышел новый журнал «Швейная промышленность», который писал о проблемах массового промышленного производства одежды. Начался этап индустриализации страны. В эти же годы открываются швейные техникумы, школы ФЗУ, швейные факультеты при текстильных предприятиях, которые готовят специалистов для легкой промышленности.

• Кроме того, в 20-годы появились - «Модный журнал», «Моды сезона», «Модный мир», «Моды», «Модели сезона», «Четыре сезона, «Вестник моды», «Женский журнал» и пр. Век одних журналов мод был коротким, и они закрывались за «безыдейность», а некоторые существовали долгие годы.

В 1932 году открылось советское издательство «Гизлегпром» при Наркомате лёгкой промышленности СССР, выпускающее литературу по тематике лёгкой, текстильной и местной промышленности и бытового обслуживания населения, выпускающее журналы с моделями модной одежды. Многие швейные фабрики в 30-е годы начали издавать собственные журналы мод . Модели одежды печатались в женских журналах, таких как «Работница», «Крестьянка» и др.

В 20-е годы велось множество дискуссий о переустройстве быта советского человека. В 1928 году на страницах газет регулярно появлялись полемические статьи на эту тему. Обсуждалось, какие дома и квартиры нужны рабочим, какой должна быть мебель, чем должен быть украшен интерьер советского человека, есть ли альтернатива кружевным салфеточкам, фарфоровым статуэточкам, слоникам и прочим атрибутам мещанского быта. Большое место в этой дискуссии занимал вопрос, каким должен быть костюм комсомольца и коммуниста? Проблема формирования стиля советской моды была одной из центральных. Например, в «Комсомольской правде» можно было прочитать следующие рассуждения на тему: «имеется ярко выраженная потребность противопоставить образцам «лучшей одежды» из магазинов на Петровке и Кузнецком мосту какую-нибудь свою, советскую, «комсомольскую» моду». Театральный мир также был вовлечён в полемику, на сценах театров можно было увидеть экспериментальные проекты повседневной и рабочей одежды, мебели, рационально обустроенного жилища советского человека.

Вскоре, из-за постоянной критики в адрес художников, занимающихся не своим делом, началось их постепенное отстранение от искусства костюма. Открывшийся в 1934 году Московский дом моделей окончательно сделал художественное проектирование костюма совершенно самостоятельным видом деятельности. Появилось новое поколение художников, для которых профессией сделалось именно создание модной одежды. Период прекрасной утопии формирования нового быта закончился, искусство костюма перешло от идиллически настроенных художников в практичные руки модельеров.

• В нэповской Москве появилось большое количество портновских мастерских. Самыми известными были «Мезон де люкс» на Петровке, «Сан-Риваль» на Покровке, дом мастерская сестер Е. В. и Г. В. Колмогоровых, мастерская «Плиссе» А. Тушнова, ателье Грищенко, Коппар, Нефедовой, Деллоса.

• В 20-е годы в Москве начала работу школа художественной вышивки «ARS», хозяйкой которой была Варвара Каринская. Вскоре Каринская открыла первый салон Houte Couture для московской элиты, в котором заказывали туалеты жены коммунистической «верхушки» и нэпманов. Кроме того, обеспеченные модницы отправлялись за украшениями в антикварный салон, которым управляла падчерица Варвары Каринской, Татьяна. В 1928-м году Каринская эмигрировала в Германию.

Производители одежды портные, сапожники, шапочники превратились в неформальную элиту советского общества времен НЭПа. В советской России стали появляться ателье, в которых работали мастера высокого класса, доступные только членам правительства и партийным верхам. Кремлевские дамы самым активным образом начали пользоваться услугами портных и модельеров. Особенно в их среде в середине 20-х годов высшим шиком считались туалеты «от Ламановой».

Двадцатые годы в новой советской стране, время удивительное, сочетающее в себе авангардные идеи конструктивизма, одежду простых трудящихся - красные косынки, длинные бесформенные юбки, матерчатые туфельки на перепоночке, и наряды дам, вовсю пользующихся благами НЭПа и одевающихся на манер европейских флэпперс. Уже начинались первые ударные пятилетки, а в воздухе еще витал дух чарльстона.

Конечно, в советской стране всегда присутствовала территориальная неравномерность распределения моды . Концентрация советской модной индустрии была сосредоточена в столице. Пропасть между столицей и провинцией была огромной. В сфере моды Москва и провинция соотносились как «эталонная» и «подражательная» культуры. И если в крупных городах всё-таки можно было купить, или как говорилось в народе «достать» хорошие вещи или воспользоваться услугами ателье, то для обитателей деревни понятия «мода » попросту не существовало. Поэтому, говоря о моде молодой советской страны, приходится описывать одежду, в которую одевались жители, прежде всего, Москвы и крупных городов.

У модниц 20-х годов были те же идеалы, что и у эмансипированных женщин во всем мире - худая фигура, позволяющая носить платья с заниженной талией длиной до колен, правда, у советских дам, эта мечта не всегда воплощалась в жизнь, и в модные платья приходилось облачать довольно упитанные формы. В моде искусственные цветы, нити жемчуга - настоящего или фальшивого, обернутые вокруг шеи, высокие ботиночки на шнуровке, меховые горжетки из лисы или песца, каракулевые жакеты. Важный аксессуар модниц того времени – шляпки, которые в первые послереволюционные годы подвергались критике, как явный признак буржуазности, и активно вытеснялись красными косынками.

В мужском наряде модным шиком были ботинки «шимми» или «джимми» и брюки «оксфорд» - короткие, до щиколотки и узкие. В середине 20-х годов эти вещи сравнительно доступны. Так поэт Даниил Хармс в сентябре 1926-го записал в своем дневнике: «Купил сапоги «Джим» в Гостином дворе, Невская сторона, магазин 28». Популярны гамаши (замшевые или полотняные чехлы белого цвета, надевавшиеся на мужские ботинки), френчи, брюки-галифе, краги (особый род мягких мужских сапог).

Так как далеко не всем были доступны услуги мастеров по пошиву одежды, качественные ткани или хорошая готовая продукция, приходилось изобретать модные туалеты из подручных средств. В воспоминаниях писательницы Надежды Тэффи можно прочесть о женской предприимчивости - в ход шли портьеры и занавески, простыни и другое постельное и столовое белье, скатерти и покрывала. Очень популярен был полосатый матрасный тик, как впрочем, и любые другие ткани, использовавшиеся в домашнем обиходе. Имели большую популярность дешевые меха - кролик, цигейка. Крашеный кролик – был самым распространенным мехом того времени.

Продолжение следует ( История советской моды - часть вторая 30-е годы )

Воспроизведение данного материала запрещено -

Словно в машине времени, мы продолжаем возвращаться в самые знаковые для истории моды XX века десятилетия – и на очереди 1910–1919 годы. В ту эпоху европейская мода поддалась колоссальному влиянию извне: это и повсеместная популяризация спорта, и экспансия восточного, а затем и национального русского стилей (вместе с «Русскими сезонами» Дягилева), и, конечно, Первая мировая война, которая разделила десятилетие на два периода и заставила людей по-новому взглянуть на моду и весь одежный бизнес в целом.

1910–1913 годы: спортивный стиль и новые цвета

Главным открытием для истории моды в довоенную эпоху стала новая цветовая гамма. В 1905 году на выставке в Париже демонстрируются яркие разноцветные картины фовистов (Матисса, Дерена и других), в 1911 году Сергей Дягилев в рамках балетных гастролей «Русские сезоны» ставит в Лондоне балеты «Шахерезада» и «Клеопатра» с красочными костюмами Леона Бакста, выполненными в восточном стиле. Ориентализм с его живыми красками и богатым декором становится новым модным трендом начала 1910-х годов и привносит на подиумы яркие цвета специй и диковинных растений вместо пастельных оттенков. Законодателем моды на ориентализм считался и известный французский кутюрье Поль Пуаре. Он стал новатором этой эпохи: Пуаре избавил женщин от корсетов, выдвинув на первый план новый силуэт с прямыми вертикальными линиями и высокой талией. Он также упростил крой платья, сделав силуэт мягким и естественным, и добавил яркий цвет и декор в этническом стиле .

Вместе с тем первые годы нового десятилетия черпают вдохновение в недалеко ушедших из истории моды 1900-х годов . Для дам из beau monde ежедневная рутина по-прежнему подразумевает четыре переодевания в день – утром, в полдень, к чаю и к вечернему ужину. К обязательному в эту эпоху браку девушки готовятся, заблаговременно собирая приданое. В него входили как минимум двенадцать вечерних платьев, две или три вечерние накидки, четыре уличных платья, два пальто, двенадцать шляп, десять домашних – «чайных» – платьев и десятки пар обуви и чулок.

В 1913 году к и без того обширному гардеробу леди добавляется и спортивная одежда . Страсть к спорту распространяется по Европе из Англии, где необыкновенно популярны верховая езда и велосипедный спорт. Дамы начинают играть в гольф, крокет и теннис, кататься на коньках, лошадях и на открытых автомобилях вместо лошадиных повозок – все эти активные занятия потребовали избавиться от корсета с металлическими прутьями и отказаться от чересчур пышных платьев с длинными юбками в пользу легких платьев с прямым, чуть приталенным силуэтом и юбкой до щиколотки.

Леди разрешается снимать корсет и во время традиционного в Англии five o’clock: «чайные» платья имели кружевную манишку с высоким воротником, пышные рукава-буфы и свободно ниспадавшую от груди длинную юбку с цветочным рисунком и сегодня напомнили бы нам ночные рубашки наших бабушек. Но вечерний дресс-код был по-прежнему строг: дамы соревновались в роскошности своих шляп, а шелковые платья сверкали дорогой отделкой из кружева, вышивки или меха…

1914–1919 годы: милитари нового времени

В августе 1914 года Германия объявляет Франции войну. В стране начинается всеобщая мобилизация, и кутюр отходит на второй план: вся легкая промышленность брошена на нужды фронта. Из сезонных коллекций практически исчезают вечерние платья (их главным заказчиком в войну остаются лишь США), и у дам больше нет необходимости, как раньше, переодеваться по четыре раза в день. В моду входят темные цвета, которые раньше использовались лишь для верхней одежды: черный, серый, темно-синий и хаки.

Женская одежда с 1914 года начинает испытывать влияние стиля милитари : силуэт дневных платьев становится минималистичным, длина юбок укорачивается почти до середины икры, и на них появляются карманы. Рабочий костюмдля женщины состоит из главного must have этой эпохи – удлиненного приталенного пиджака с большими пуговицами – и узкой длинной юбки hobble skirt, ставшей «бабушкой» современной юбки-карандаш. Английские марки Burberry и Aquascutum в эти годы зарабатывают себе имя за счет внедрения в женский гардероб военного плаща – тренча.

С изменением длины юбки роль обуви становится все более важной – в эту эпоху в моде кожаные туфли с ремешком на щиколотке и полусапожки с пуговицами или на шнуровке, но обязательно из кожи двух цветов.

Именно на военные годы приходится звездный час Коко Шанель: открыв свой первый магазин в Довиле в 1913 году, Шанель активно набирает клиенток. Ее простые, но элегантные костюмы из джерси, состоящие из белой блузки с V-образным воротником, свободного джемпера с поясом и отложным воротником (его Коко позаимствовала у моряков) и пышной юбки длиной до середины икры, пользовались невероятной популярностью и позволили Шанель уже в 1916 году примкнуть к рядам кутюрье и продемонстрировать свою первую коллекцию haute couture.

Война дает колоссальный толчок для развития индустрии готовой одежды – компании, которые в войну работали на нужды фронта и производили военную форму, уже в мирное время начинают переходить на производство одежды и обуви prêt-a-porter для ежедневной носки.

Первый модельер, который был не просто портнихой была (Charles Frederick Worth) (1826-1895). Перед бывшим Draper создал свой "Maison моды" Дом моды в Париже, создание моды и вдохновения была обработана в значительной степени неизвестными людьми, и высокой моды произошли от стиля носить в королевских дворах. Успех Цена была такова, что он был в состоянии диктовать своим клиентам, что они должны носить, вместо того чтобы следовать их примеру, как ранее портные сделали.

Именно в этот период, что многие дизайнерские дома стали нанимать художников рисовать или писать проекты для одежды. Только изображения может быть представлен клиентам гораздо дешевле, чем производя фактической одежды образца в мастерской. Если клиент понравился дизайн, они заказали его и в результате одежды сделал деньги на дом. Таким образом, традиция дизайнеров одежды набрасывать конструкции вместо представления завершены одежды на моделях клиентов началось экономики.

Начало ХХ века

В течение начала 20-го века, практически все высокая мода зародилась в Париже, и в меньшей степени Лондоне. Модные журналы из других стран отправлено редакторам показывает парижской моды. Универмаги отправлены покупателям в Париже шоу, где они приобрели одежду для копирования (и открыто похитил стиль линий и отделка деталей др.). Оба сделаны на заказ салонов и готовых к носить отделов признакам последних тенденций Парижа, адаптированные к предположениям магазинов "о жизни и карманных книг своих целевых клиентов.

wawaAround начале двадцатого века модные журналы стиль стал включать в себя фотографии и стал еще более влиятельным, чем в прошлом. В городах по всему миру эти журналы были очень востребованными и имели огромное влияние на вкусы публики. Талантливых иллюстраторов - среди них Павел Iribe, Жорж Lepape, Эрте, и Джордж Барбье - Дрю изысканной моде пластины для этих публикаций, которые охватывают самые последние события в мире моды и красоты. Пожалуй, самый известный из этих журналов было La Gazette Du Bon Ton который был основан в 1912 году Люсьен Фогель и регулярно публикуется до 1925 (за исключением военных лет).

1900 года

Наряды носили модницы из «Прекрасной эпохи» (в эту эпоху был вызван французский) были поразительно похожи на те, носили во времена расцвета моды пионер Чарльз Ворт. К концу девятнадцатого века, горизонты в индустрии моды были в целом расширены, частично из-за более мобильным и независимым образом жизни многих зажиточных женщин начали принимать и практичную одежду они требовали. Тем не менее, моды La Belle Epoque еще сохраняется сложной, мягкая, в форме песочных часов стиле 1800-х годов. Пока еще не модная дама будет (или может) одеваться или раздеваться сама, без помощи третьих лиц. Постоянная необходимость радикальных перемен, которые сейчас необходимы для выживания моды в рамках существующей системы, было еще буквально немыслимо.

Заметное отходов и показного потребления определены моде десятилетия и наряды кутюрье того времени были невероятно экстравагантным, сложные, богато украшенный, и старательно сделал. Пышные S-Bend силуэт доминирует мода вплоть до приблизительно 1908 года. S-Bend корсет был очень плотно кружевной на талии и поэтому вынуждены бедрами назад и опустив моно груди толкали вперед в действие недовольный человек голубя создания формы S. Ближе к концу десятилетия модным силуэтом постепенно стал несколько более прямой и тонкий, что отчасти объясняется высокой талией Поль Пуаре, в короткой юбкой Директории линию одежды.

Maison Редферн был первый дом моды, чтобы предложить женщинам костюме основана непосредственно на ее мужской аналог, и чрезвычайно практичной и элегантной одежды трезво вскоре стал неотъемлемой частью гардероба любой хорошо одетая женщина. Другой неотъемлемой частью экипировки хорошо одетая женщина была дизайнером шляпу. Модные шапки в то время были либо маленькие кондитерские изделия, что сидела на верхней части головы, или большими и широкими полями, отделанные лентами, цветами, и даже перьев. Зонты по-прежнему используются в качестве декоративных аксессуаров и летом они капали с кружевами и добавлена ​​в общий сложный красивости.

1910 года

В первые годы 1910-х годов модным силуэтом стал гораздо более гибким, жидкости и мягкие, чем в 1900-х. Когда Русских балетов осуществляется Шехерезада в Париже в 1910 году, повальное увлечение Ориентализм последовало. Кутюрье Поль Пуаре был одним из первых дизайнеров, чтобы перевести эту моду в мире моды. Клиентами Пуаре были сразу превращается в гареме девушки в развевающихся панталоны, тюрбаны и яркие цвета и гейш в экзотические кимоно. Поль Пуаре также разработал первый наряд которой женщины могли надеть без помощи горничной. Движение ар-деко начала появляться в это время и его влияние проявилось и в конструкциях многих кутюрье того времени. Просто фетровые шляпы, тюрбаны, и облака тюля заменить стили головные уборы популярны в 1900-х годах. Следует также отметить, что первые реальные показы были организованы в этот период времени, по первой женщины-кутюрье, Жанну Пакуин, который также был первым парижским кутюрье, чтобы открыть зарубежные филиалы в Лондоне, Буэнос-Айресе и Мадриде.

Два из наиболее влиятельных моды отраженного света. Его уважаемые клиенты никогда не терял вкуса к его жидкостью линий и надуманные, прозрачные материалы. В то время как повинуясь императивы, которые оставили немного фантазии кутюрье, Дусе тем не менее дизайнера огромное вкус и дискриминации, роль многие пытались так, но редко с уровнем Дусе на успех.

Венеция-дизайнер Мариано Фортуни у Madrazo была любопытная фигура, очень мало параллелей в любом возрасте. Для его конструкции платья он задумал специального процесса плиссировки и новые методы крашения. Он дал название Delphos его долго цепляться оболочка платья, которые волнистых с цветом. Каждый предмет одежды был сделан из одного куска из тончайшего шелка, свой уникальный цвет, приобретенных повторяется погружения в красители которой были оттенки указывают на лунный свет или водянистый отражения венецианской лагуны. Бретон соломы, мексиканская кошениль и индиго с Дальнего Востока были одними из ингредиентов, которые использовались Фортуны. Среди его многочисленных преданных были Элеонора Дузе, Айседоры Дункан, Клео де Merode, маркиза Казати, Emilienne d"Alencon, и Лиан де Pougy.

Прошлый век – это время кринолинов, турнюров, «полонеза», доломана, обильных рюшей и оборок всевозможных видов. Следующий за ним век, самый разгар эпохи красавиц (прекрасная эпоха), отличается простотой и здравым смыслом, и хотя детали по-прежнему тщательно проработаны, вычурная отделка платья и неестественные линии постепенно отходят на второй план. Эта тяга к простоте стала еще сильнее с началом Первой Мировой Войны, которая явно провозгласила два главных принципа женского платья – свободу и удобство ношения.

Прекрасная эпоха – время роскоши

В 1900-х г.г., если вы являлись изысканной молодой английской дамой, принадлежащей к элите общества, вам полагалось дважды в год совершать паломничество в Париж вместе с другими такими же женщинами из Нью-Йорка или Санкт-Петербурга.

В марте и сентябре можно было заметить группы женщин, посещающих студии на rue Halevy, la rue Auber, rue de la Paix , rue Taitbout и Вандомской площади.
В этих, часто тесных магазинчиках, с лихорадочно работающими в задних комнатах швеями они встречались со своим личным продавцом, которая помогала им выбрать гардероб на следующий сезон.

Эта женщина была их союзником и знала все самые темные секреты их жизни как личные, так и финансовые! Выживание таких ранних домов моды всецело зависело от их могущественных клиенток, а знание их маленьких секретов помогало им в этом!

Вооруженные копиями «Les Modes», они просматривали последние творения великих кутюрье, таких как Пуаре, Ворт, сестры Калло, Жанна Пакен, Мадлен Шерюи и других, чтобы придумать гардероб, который бы затмил гардеробы не только друзей, но и врагов!

Прошли десятилетия, и эти ужасные журнальные изображения статичных женщин, где виден каждый шов и каждый стежок, были вытеснены более свободным и плавным стилем «Ар Нуво», где использовались новые фотографичные методы изображения.

Вместе с продавцом женщины выбирали гардероб на следующие шесть месяцев: нижнее белье, домашнюю одежду, платья для прогулок, варианты чередования в одежде, костюмы для путешествий на поезде или в машине, вечерние наряды для праздного времяпрепровождения, наряды для особых случаев, таких как Аскот, свадьба, посещение театра. Список можно продолжать бесконечно, здесь все зависело от размера вашего кошелька!

Гардероб дамы эдвардианского периода (1901-1910 г)

Начнем с нательного гардероба. Он состоял из нескольких предметов нижнего белья – дневная и ночная сорочки, панталоны, гольфы и нижние юбки.

Женщины начинали свой день с выбора комбинации, затем надевали s-образный корсет, поверх которого шел лиф-чехол.

Далее шел дневной ансамбль. Обычно это была утренняя одежда, выполненная в строгом стиле, которую можно было носить при встрече с друзьями или при совершении покупок. Как правило, она состояла из аккуратной блузки и клинообразной юбки, в прохладную погоду сверху надевался жакет.

Возвращаясь к ланчу, необходимо было быстро переодеться в дневной наряд. Летом это всегда была какая-либо колоритная одежда пастельных цветов.

К 5 часам вечера можно было, что с облегчением и делалось, снять корсет и надеть чайный наряд для отдыха и приема друзей.

К 8 часам вечера женщину снова затягивали в корсет. Иногда нижнее белье менялось на свежее. После этого шел черед вечернего платья для дома или, при необходимости, для выхода в свет.

К 1910 г. такие платья стали претерпевать изменения под влиянием работ Поля Пуаре, чьи атласные и шелковые наряды, навеянные восточными мотивами, стали очень популярны среди элиты. Большим хитом 1910 г. в Лондоне стали дамские шаровары в качестве костюмированного вечернего наряда!

В течение дня необходимо было также, по крайней мере, дважды в день менять чулки – хлопковые – для ношения днем – вечером менялись на красивые вышитые шелковые чулки. Нелегко было быть женщиной эдвардианского периода!

Эдвардианский силуэт – мифы и реальность.

1900 — 1910 г.г.

До 1900г. каждая дама из высшего общества – с помощью своей служанки – была вынуждена ежедневно затягивать себя в тесные корсеты, затрудняющие дыхание, как делали ее мама и бабушка. Для женщины это было очень болезненно! Определенно, продажа нюхательной соли была очень прибыльной в ту эпоху.

Целью корсета [если верить иллюстрациям] было вытолкнуть верхнюю часть тела вперед, как у голубя, а бедра отвести назад. Однако, Мэрион МакНили, сравнивая иллюстрации с фотографиями женщин 1900-х г.г. в их повседневной жизни, предположил в «Foundations Revealed», что реальной целью s-образных корсетов была демонстративно прямая осанка, созданная для того, чтобы подчеркнуть изгибы бедер и груди посредством отведения назад плеч, в результате чего грудь приподнималась, а бедра округлялись.

Мое мнение по данному вопросу следующее: существует тенденция, как и на современных модных иллюстрациях, чересчур подчеркивать линии. Сравнение представленной выше картинки дома мод Lucille от 1905 г. с красивой естественной фотографией молодой женщины из Лондона, сделанной Эдвардом Самбурном, доказывает тот факт, что женщины не затягивали корсеты слишком сильно!

Скорее всего, это была идеализированная версия женщины эдвардианской эпохи того времени, популяризованная с помощью иллюстраций Чарльза Даны Гибсона, и открыток с девушкой Гибсона Камиллой Клиффорд, в результате чего у нас сформировалось крайне утрированное впечатление о женских формах эдвардианской эпохи.

Мода в платьях – 1900 – 1909 г.г.

Женщины стали носить жакеты в строгом стиле, длинные юбки [подол немного приподнят], полусапожки на высоком каблуке.
Силуэт постепенно стал меняться с s-образного в 1901 г. на линию ампир к 1910 г. Типичными цветами одежды на каждый день для женщины эдвардианского периода было сочетание двух красок: светлый верх и темный низ. Материал – льняное полотно [для бедных], хлопок [для среднего класса] и шелк и качественный хлопок [для высшего класса].

Что касается деталей, в Прекрасную Эпоху кружевные оборки сигнализировали о социальном статусе женщины. Многочисленные оборки на плечах и корсаже, а также аппликации на юбках и платьях.

Несмотря на запрет на ношение корсетов, женщины, особенно из нового среднего класса, стали ощущать большую социальную свободу. Стало вполне нормальным для женщин совершать путешествия за границу на велосипедах – например, в Альпы или Италию, что прекрасно запечатлено в мелодраматической картине «Комната с видом», снятой по книге Э.М. Форстера, которую он опубликовал в 1908 г.

Популярная повседневная одежда состояла из белой или светлой хлопковой блузы с высоким воротником и темной клинообразной юбки, начинающейся под грудью и спускающейся вниз до лодыжек. Некоторые юбки также вшивались в корсетное изделие от талии до места под грудью. Такой стиль: простая спортивная блузка и юбка – впервые появился в конце 1890-х г.г.

Часто на юбках существовал один-единственный шов, в результате чего даже самые безнадежные фигуры приобретали приятную стройность!

Юбки и платья шились в пол, но так, чтобы женщинам удобно было забираться в повозки. К 1910 г. подол стал короче и заканчивался немного выше лодыжки. Первоначально в силуэте блузок присутствовали объемные плечи, но к 1914 г. они значительно сократились в объеме, что, в свою очередь, привело к большей округлости бедер.

К 1905 г. с возрастающей популярностью автомобилей женщины, следящие за модой, стали осенью и зимой носить манто или полудлинное пальто. Такие пальто были очень модными, они шли от плеча и заканчивались ниже талии, что в длину составляло примерно 15 дюймов. В таком наряде, да еще в новой короткой юбке, которая даже не доходила до лодыжек, женщина выглядела очень смело! Если на улице было сыро или шел снег, сверху можно было накинуть пыльник, чтобы уберечь одежду от грязи.

Послеобеденное платье, несмотря на то, что было выполнено в различных пастельных оттенках и с многочисленной вышивкой, по-прежнему оставалось достаточно консервативным в 1900-х г.г., так как его надевали для посещения официальных обедов, на встречи и консервативные женские собрания – здесь дресс-код находился под влиянием женщин с викторианскими взглядами на жизнь!

Чайные платья, в которые женщины, если они находились дома, обычно облачались к 5 часам вечера, были превосходны: как правило, они были выполнены из хлопка, белые и очень удобные. Это было единственное время для женщины эдвардианской эпохи, когда она могла снять корсет и дышать нормально! Женщины часто встречали и развлекали друзей в платье для чая, ведь можно было позволить себе быть крайне неформальной!

В Британии эдвардианского периода женщинам предоставлялась возможность продемонстрировать свои самые лучшие наряды из Парижа во время Лондонского сезона, проходящего с февраля по июль. Начиная с Ковент Гардена, королевских приемов и частных балов и концертов, и заканчивая скачками в Аскоте, элита общества демонстрировала свои самые последние, самые лучшие и самые худшие наряды.

Вечерние платья в эдвардианский период были вычурными и вызывающими, с глубоким вырезом, который открыто демонстрировал грудь женщины и ее украшения! Вечерние платья в 1900-х г.г. шились из роскошного материала. К 1910 г. женщины стали уставать от крупных вечерних платьев, особенно это касается француженок, которые решили отказаться от шлейфов на платье и перешли на стиль ампир от Пуаре, навеянный «Русскими Сезонами».

В 1909 г., когда эдвардианский период уже подходил к концу, возникла странная мода на узкие юбки с перехватом ниже колен, чей приход также причисляют к Полю Пуаре.

Такие узкие юбки сильно стягивали колени женщины, что затрудняло движение. В сочетании с все более популярными широкополыми шляпами [в некоторых случаях их размер доходил до 3 футов], получившими свою популярность благодаря Люсиль – основной конкурентки Пуаре из Америки, начинало казаться, что мода перешла все грани разумного к 1910 г.

Прически и дамские шляпы в эдвардианский период 1900 – 1918 г.г.

Модные журналы того времени стали уделять огромное внимание прическам. Самыми популярными тогда считались кудри, завитые щипцами в стиле «Помпадур», так как это был один из самых быстрых способов укладки волос. В 1911 г. 10-минутная прическа «Помпадур» становится самой популярной!

На таких прическах хорошо держались удивительно большие шляпы, которые затмевали прически, к которым они были приколоты.

К 1910 г. прически в стиле «Помпадур» постепенно сменились на «Низкий Помпадур», которые, в свою очередь, с наступлением Первой Мировой Войны превратились в простые низко уложенные пучки.

Чтобы использовать преимущества данной прически, шляпки стали носить ниже, прямо на пучке, ушли широкие поля и яркие перья предыдущих лет. Нормы военного времени не одобряли подобных вещей.

«Русские Сезоны» 1909 г. – Ветер Перемен

К 1900 г. Париж был мировой столицей моды, а дома моды Worth, Callot Soeurs, Doucet и Paquin входили в список лидирующих имен. Высокая мода или от-кутюр — так называлось предприятие, использующее самые дорогие ткани для продажи их влиятельной элите Парижа, Лондона и Нью-Йорка. Однако стиль оставался прежним – линии Ампир и стиль Директории – высокая талия и прямые линии, пастельные краски, такие как зеленоватый цвет нильской воды, бледно-розовый и небесно-голубой, напоминающие чайные наряды и вечерние платья элиты общества.

Пришло время перемен. Этому предшествовали следующие события: влияние стиля «Ар Деко», возникшего из модернистского движения; наступление «Русских Сезонов», впервые прошедших в 1906 г. в форме выставки, организованной их основателем Сергеем Дягилевым, феноменальные выступления Русского Императорского Балета 1909 г. с их роскошными костюмами, навеянными востоком и созданные Леоном Бакстом.

Шаровары танцора Нижинского вызвали огромное удивление среди женщин, а мастер оппортунизма Поль Пуаре, рассмотрев их потенциал, создал гаремную юбку, которая на некоторое время стала очень популярной среди молодежи из британского высшего класса. Пуаре, возможно, под влиянием иллюстраций Бакста 1906 г. почувствовал необходимость в создании более выразительных иллюстраций для своих творений, в результате чего он привлек неизвестного тогда иллюстратора Поля Ирибо, работающего в стиле «Ар Нуво», для иллюстрирования своей работы «Платья Поля Пуаре» в 1908 г. Невозможно переоценить то влияние, которое эта работа оказала на возникновение моды и искусства. После этого два этих великих мастера работали вместе в течение двух десятилетий.

Возникновение современной моды – 1912 – 1919 г.г.

К 1912 г. силуэт приобрел более натуральные очертания. Женщины стали носить длинные прямые корсеты в качестве основы для плотно облегающих дневных нарядов.

Как ни странно, короткое возвращение в прошлое в 1914 г. было просто ностальгией: большая часть домов моды, включая дом моды Пуаре, представили временные стильные решения с турнюрами, обручами и подвязками. Однако желание перемен было уже не остановить, и к 1915 г. в разгар бушующей кровавой войны в Европе сестры Калло представляют совершенно новый силуэт — не окольцованную женскую сорочку поверх прямого основания.

Другим интересным нововведением в первые военные годы стало появление блузы, совпадающей по цвету – первый шаг на пути к повседневному стилю, которой было суждено стать главным элементом женского костюма.

Коко Шанель обожала женские сорочки или платья покроя «рубашка» и благодаря своей любви к популярной американской куртке или матросской блузе [блуза свободного покроя, подвязанная поясом] – она адаптировала джемпера, носимые моряками в популярном приморском городке Довиль (где она открыла новый магазин), и создала женский кардиган с выразительными ремнями на каждый день и карманами, который стал предвестником модного образа 1920 г. за 5 лет до того, как это стало нормой.

Как и Шанель, другому дизайнеру Жанне Ланвин, которая в данный период специализировалась на одежде для молодых женщин, также нравилась простота женской сорочки, и она приступила к созданию летних платьев для своих клиенток, которые возвестили уход от ограничивающих движение платьев.

Начало Первой Мировой Войны в 1914 г. не положило конец международным показам парижских коллекций. Но, несмотря на попытки редактора американского журнала «Vogue» Эдны Вулман Чейз организовать благотворительные мероприятия в помощь модной французской индустрии, Париж был вполне оправданно обеспокоен тем, что Америка, будучи конкурентом Парижа, намерена тем или иным способом извлечь выгоду из создавшейся ситуации. Если вам повезло иметь модные французские винтажные периодические издания того времени, такие как «Les Modes» и «La Petit Echo de la Mode», обратите внимание на то, что в них редко можно найти упоминание о войне.

Тем не менее, война шла повсюду, и женские платья, как и в 1940-х г.г., по необходимости, стали более военными.

Одежда стала разумной – куртки строгих линий, даже теплые полушинели и брюки приобрели особые женские очертания, если их носили женщины, которые помогали на войне. В Британии женщины присоединялись к добровольческим медицинским отрядам и состояли в службе медицинских сестер СВ. В США существовал резерв женского вспомогательного состава МП, а также специальные женские батальоны.

Такие военные группы были предназначены для женщин высшего класса, женщины же из рабочего класса в разных странах, особенно в Германии, трудились на военных заводах. В результате такой встряски социальных классов, когда бедные и богатые, мужчины и женщины все вместе, как никогда раньше, выросло такое явление, как эмансипация в женском платье.

1915 — 1919 г.г. – Новый силуэт.

Это было время фигуры в стиле «Ар Нуво»

Теперь акцент в женском белье делался не на придание форм женской фигуре, а на ее поддержку. Традиционный корсет превратился в бюстгальтер, который теперь стал незаменим для более физически активной женщины. Первый современный бюстгальтер появился благодаря Мэри Фелпс Джейкоб, это свое творение она запатентовала в 1914 г.

На смену традиционному лифу пришла мода на завышенную талию, подвязываемую красивым широким поясом-шарфом. Использовались такие ткани, как натуральный шелк, лен, хлопок и шерсть, также стал применяться искусственный шелк – саржа, габардин (шерсть), органза (шелк) и шифон (хлопок, шелк или вискоза). Благодаря молодым дизайнерам, таким как Коко Шанель, в жизнь стали входить такие материалы, как джерси и деним.

В 1910г. появился горизонтальный взгляд на дизайн платьев. В качестве альтернативы использовались вертикальные накидки, такие как популярные куртки-кимоно от Пуаре, которые надевались поверх комплекта из жакета и юбки строгих линий. Подол повседневной одежды находился на уровне немного выше лодыжки; традиционная длина в пол у вечернего платья начала немного приподниматься с 1910 г.

К 1915 г. вместе с появлением юбки-клеш (известной также как военный кринолин), сокращением длины одежды, а, следовательно, и с появлением видимой теперь обуви стал проявляться и новый силуэт. Обувь на шнуровке и с каблуком стала приятным дополнением моделей на зиму – бежевые и белые цвета присоединились к обычно черным и коричневым краскам! С развитием военных действий из коллекций стали исчезать вечерние платья, а также одежда для чая.

Аннет Келлерман – революция в купальниках

Дизайны купальников эдвардианского периода привели к свержению общественных нравов, когда женщины на пляже стали демонстрировать свои ноги, хоть и облаченные в чулки.

Если не принимать во внимание австралийцев, особенно австралийскую плавчиху Аннет Келлерман, которая, в некотором роде, произвела революцию в купальниках, то нужно отметить, что купальные костюмы менялись постепенно с 1900 по 1920 г.г.

Келлерман вызвала настоящий переполох, когда по прибытии в США она появилась на пляже в плотно облегающем тело купальнике, в результате чего она была арестована в Массачусетсе за непристойное обнажение. Суд над ней стал поворотным моментом в истории купального костюма, а также помог избавиться от устаревших норм, в результате которых она была заключена под стражу. Она создала образ для красоток в купальниках от Max Sennett, а также стандарты для сексуальных купальников от Jantzen, которые появились позднее.

Рождение образа платья-чарльстон

Трудно точно определить, когда появился стиль платья девчонки-сорванца с низкой талией, ставший нормой к 1920 г. Здесь притягивает внимание образ матери и дочери, созданный Жанной Ланвин в 1914 г.

Внимательно посмотрите на маленькое прямоугольное платье дочери с заниженной талией, и вы узнаете образ платья-чарльстон, которое будет доминировать лишь несколько лет спустя!

Черный цвет был стандартным цветом во время Первой Мировой Войны, и миниатюрная Коко Шанель решила взять максимум от него и других нейтральных красок, а также от моделей одежды военного времени, а благодаря любви Шанель к простоте и было создано платье-рубашка с поясом на низкой талии, модели которого были продемонстрированы в «Harpers Bazaar» в 1916 г.

Эта ее любовь к более спортивным и повседневным платьям начала быстро распространяться от приморского городка Довиль, где она открыла магазин, в Париж, Лондон и дальше. В издании « Harper’s Bazaar» 1917 г. было замечено, что имя Шанель просто не сходит с уст покупателей.

Звезда Поля Пуаре начала тускнеть с наступлением войны, и когда он вернулся в 1919 г. с многочисленными красивыми моделями в новом силуэте, его имя уже не вызывало такого восхищения. Случайно столкнувшись с Шанель в Париже в 1920 г., он спросил у нее:

«Мадам, по кому вы носите траур?» Шанель носила свои фирменные черные цвета. Она ответила: «По вам, мой дорогой Пуаре!»